Выставки

Музей, который не боится перемен: ГМИИ им. А.С. Пушкина представил новую авторскую концепцию постоянной экспозиции старых мастеров, подготовленную сценографом и куратором Патриком Уркадом. Шесть залов первого этажа Главного здания откроют публике не только новый дизайнерский взгляд на пространство музея, но и современное представление о старой живописи в классическом музее XXI века.

Залы византийского искусства, искусства Германии и Нидерландов XV–XVI веков, а также Фландрии и Голландии XVII века, живописи Рембрандта и его школы — все эти пространства, давно знакомые «пушкинскому» зрителю, осенью предстанут полностью преображенными.

Патрик Уркад – историк искусства, ученик Андре Шастеля, защитил диссертацию о Пьере Ле Мюэ — архитекторе Марии Медичи. В 1980-е годы занимал должность арт-директора французского издания Vogue, где сотрудничал с Хельмутом Ньютоном, Ги Бурденом и другими выдающимися фотографами XX века. Был приглашен Карлом Лагерфельдом в качестве куратора его коллекций декоративно-прикладного искусства: сначала предметов стиля рококо, а затем — неоклассики. Куратор выставок в музейном комплексе дворцов Версаля: «XVIII век — у истоков дизайна» (2014) и «Увеселения и праздники королевского двора» (2016). Уркад не впервые сотрудничает и с ГМИИ: в 2019 году он выступил в роли сокуратора и автора художественной концепции выставки «Восточный джаз / East West Jazz».

Меняется жизнь — меняется и музей: реэкспозиция залов искусства старых мастеров — попытка переосмыслить и пространство, и произведения, представленные в нем. Эта работа оказалась своего рода интеллектуальным экзерсисом, позволившим самим хранителям по-новому посмотреть на произведения, которые они изучают и хранят многие годы, задуматься о сущности постоянной экспозиции и о ее драматургии. Кураторы, работавшие над обновлением пространства музея вместе с приглашенным сценографом, хотели подчеркнуть значимость каждого отдельного произведения, представленного в экспозиции: собрание Пушкинского — это не только гармоничный ансамбль, но и самоценные экспонаты, каждый из которых достоин внимания. Директор ГМИИ Марина Лошак поясняет: «Новая экспозиция — важный для нас шанс еще раз напомнить о том, что жизнь не стоит на месте. Она изменяется ежеминутно, ежесекундно, и главное — не упускать ни один из ее моментов, проживать каждый. Не забывать, не сожалеть о прошедшем и смотреть вперед — это и есть главный посыл наших перемен».

Больше новостей в нашем telegram-канале Icon Life, подпишитесь, чтобы узнавать первыми 

Работа над реэкспозицией началась с исследования архивных документов. Была изучена история постоянной экспозиции живописи ГМИИ с 10 ноября 1924 года, когда была открыта Картинная галерея Музея изящных искусств, и до последних изменений, сделанных в 2006 году. Экспозиция, которая откроется 19 октября 2021 года даст отсылки к прошлому и одновременно предложит новое ви́дение первого этажа Главного здания музея. Классическая французская живопись, например, вернется в залы, в которых она демонстрировалась с 1974 по 2006 год. Зато в зале 31, где обычно проводились камерные временные выставки, впервые разместится часть постоянной экспозиции: живопись, скульптура и декоративно-прикладное искусство Германии и Нидерландов XV–XVI веков. Искусство Византии и раннего итальянского Возрождения останется в прежнем пространстве, но зрители увидят его совершенно в ином свете. В целом это — новаторская экспозиция, но ее цель — вернуть залам свет и пространство такими, как изначально их видели создатели музея: Иван Цветаев и Роман Клейн.

В пяти залах, где сегодня располагается экспозиция итальянской и французской живописи, а также на главной выставочной оси и еще в нескольких пространствах второго этажа развернется выставка «Бывают странные сближенья», которую специально для Пушкинского музея готовит известный французский куратор Жан-Юбер Мартен. Затем эти залы займет экспозиция, посвященная выдающимся русским коллекционерам французской живописи модернизма и творений русских художников — братьям Михаилу и Ивану Морозовым. По завершении этих двух важнейших для музея выставок те же залы станут экспериментальной площадкой, где кураторы будут предлагать свои размышления на темы, связанные с постоянной экспозицией Пушкинского музея.

Обновление Главного здания — один из важных шагов на пути к его более масштабной трансформации: в данный момент ведутся активные работы по реконструкции Пушкинского и созданию «музейного городка», о котором мечтал еще Цветаев. В ближайшие годы будут открыты депозитарно-реставрационный и выставочный центры, Галерея искусства старых мастеров и т.н. Дом текста. К 2027 году территория ГМИИ увеличится более чем вдвое — до 105 000 м2.

Начиная с 19 октября каждый посетитель Пушкинского сможет, освободившись от прежнего опыта восприятия, открыться новому — посмотреть на классическую живопись в неклассической интерпретации.

Расширенные этикетки и новые названия залов и экспликации

Важной частью реэкспозиции станут обновленные этикетки: теперь на них указан провенанс произведений и год их поступления в музей. ГМИИ обязан своим собранием коллекционерам — сведения о вкладе каждого из них посетители также смогут найти в этикетках, а значит, составить представление о том, как и в каких исторических условиях формировалась коллекция музея, в каких исторических реалиях и кем были те люди, благодаря которым сегодня мы обладаем уникальным собранием.

Не нарушая научную составляющую, музей позволил себе немного отойти от традиционного подхода в названиях залов. Все залы экспозиции старых мастеров получили новые названия, благодаря чему у зрителя появится возможность выделить главные имена мастеров из коллекции ГМИИ. А новые экспликации дают общую картину происходящего в тот или иной период в каждой из стран, доказывая тем самым взаимосвязь между историей искусства и социальной историей.

Зал 31: Кранах, Артсен, Бекелар

Становление художественной культуры Нового времени в Северной Европе началось в XV веке. Эта эпоха ознаменовалась переменами в духовной жизни, происходившими в условиях политических и социальных потрясений, теологическими дебатами, во многом связанными с «новым благочестием» – религиозным движением, призывавшим к обновлению веры и возвращению к духу раннего христианства. В произведениях искусства той поры спиритуализм и аристократичность отживающей готики сосуществовали с реалистическими устремлениями, интересом к окружающему миру и гуманистическими тенденциями нового искусства.

Несмотря на то, что отношение к личности художника менялось, и он все чаще воспринимался как свободный творец, по своему общественному положению мастер оставался ремесленником и был вынужден подчиняться строгим цеховым уставам. Неслучайно большинство дошедших до нас работ XV века анонимны. Из крупнейших мастеров немецкого Возрождения в музее представлен Лукас Кранах Старший. Расцвет немецкого искусства был недолгим. Начавшиеся в середине XVI века религиозные войны, а затем Тридцатилетняя война на долгие годы остановили культурный рост Германии.

Более длительным и значительным был подъем художественной жизни в Нидерландах. С XV века центральное место в нидерландском искусстве заняла живопись, а главный акцент был сделан на одухотворенной красоте окружающего мира, воспринимавшегося как гармоничное творение Бога. Мастера этой страны первыми ввели в практику масляную живопись, что позволило им добиться небывалой достоверности изображения, целостности пространства и иллюзорности разнообразных деталей и фактур (Питер Артсен, Иоахим Бекелар, Адриан Томас Кей). 

Зал 7: Боттичелли, Тициан, Веронезе

В эпоху Средневековья живопись Италии находилась под сильным воздействием искусства Византии. Это видно на примере двух монументальных икон середины XIII века, на которых запечатлена Мадонна с Младенцем на троне – сюжет, часто встречающийся именно у итальянских мастеров. В XIV веке в Италии возникают новые типы живописных произведений – многочастные (полиптихи) и трехчастные (триптихи) алтарные композиции, на которых в центре обычно представлена Мадонна с Младенцем, а на боковых створках – святые. Форма этих работ гармонически сочеталась с храмовым пространством, а иконография определялась литургической практикой эпохи. 

В XIV столетии разворачивался процесс формирования основных художественных школ Итальянского полуострова, а в эпоху Возрождения – в XV и XVI веках – главными центрами становятся Флоренция и Венеция. Живопись Италии XV – начала XVI века демонстрирует становление и расцвет культуры Возрождения: мир был увиден теперь с позиции человека, впервые со времен Античности снова понятого как «мера всех вещей». Опираясь, с одной стороны, на научные открытия в области математики и перспективы, на изучение анатомии, а с другой – на вновь открытые памятники античной скульптуры, художники Возрождения создали новый изобразительный язык, который позволял создавать живые образы реального мира, поверенные эстетическим идеалом.

Зал 8: Пуссен, Буше, Давид

Во французском искусстве XVII столетия ведущим стилем был классицизм. Его отличала вера в вечный идеал античной красоты и представление об этической или государственной миссии искусства. Родоначальником классицизма стал Никола Пуссен. Шарлю Лебрену принадлежит заслуга создания величественного декоративного стиля, призванного прославить правление «короля-Солнца» Людовика XIV.

Французское искусство в эпоху Просвещения считалось всемирным художественным эталоном. За его внешней беззаботностью скрывалась тонкая игра ума и внутренняя интеллектуальная свобода. С начала XVIII века придворный классицизм уступил место рококо. Прихотливая декоративность форм, эротизм сюжетов создавали впечатление капризной и поверхностной художественной игры. Но построенное на тонких нюансах чувства и недосказанности искусство таких мастеров, как Антуан Ватто, заставляет осмыслить рококо в духе философии сенсуализма и нового чувства жизни, выражающегося словами Вольтера: «Рай – это здесь».

Вторая половина столетия снова прошла под знаком классицизма, связанного с искусством Жака-Луи Давида, который создал лаконичный и энергичный стиль, идеально отвечающий выражению новых политических систем – якобинской республики или наполеоновской империи. Французское искусство конца XVIII – начала XIX веков предложило идеальный визуальный язык для представления образа благородного и просвещенного человека, который распространился на всю Европу. Последний раздел зала представляет произведения, заказанные отечественными аристократами, переносившими в Россию французскую культурную модель.

Зал 9: Маньяско, Тьеполо, Каналетто, Гварди 

Итальянское искусство XVII столетия – это многочисленные региональные школы (от Генуи до Неаполя, от Болоньи до Рима), каждая из которых обладала своими особенностями. Но все их объединяет стиль барокко. Его зарождение нередко связывают с контрреформацией – идеологией и политикой католической церкви, консолидировавшейся перед угрозой протестантизма. В эпоху, когда царил этот стиль, были созданы шедевры религиозного искусства и выработан универсальный изобразительный язык, который позволял полностью овладеть эмоциями зрителя, заставить его пережить молитвенный экстаз. Динамизм и напряжение, присущие барокко, связаны не только с религией, но в значительной степени с чувствованием бесконечно расширившегося в результате географических и научных открытий мира, и новым представлением о месте человека в мироздании. 

Итальянской живописи барокко присуще разнообразие и богатство красочных и фактурных эффектов, передающих иллюзию реальности. Но реалистичность и осязаемость, убедительность образов сочетаются в барокко с рационализмом содержания: мастера барокко часто прибегают к аллегориям и эмблемам, которые позволяют сообщить конкретность и телесность отвлеченным понятиям.

Даже на фоне разнообразия итальянских школ выделялась своеобразием живопись Венеции, пережившая свой последний взлет уже в XVIII столетии. Город с его эффектами воздуха и неповторимым ощущением жизни-праздника вдохновил местных мастеров на создание нового жанра – ведуты. Это городской пейзаж, который с колористической изощренностью барочной живописи передавал облик Венеции, роскошь ее публичных церемоний и меланхолическую поэзию закоулков. 

Зал 10: Рубенс, Йорданс, Сурбаран, Мурильо

Фламандская и испанская школы пережили свой высший взлет в XVII столетии. Тогда эти страны входили в состав одного государства – Габсбургской монархии, и их изобразительное искусство складывалось в рамках одного стиля – барокко. При этом каждая из них обладает бесспорной индивидуальностью. 

Фламандская живопись отличается своеобразным гедонизмом, особенно проявившемся в творчестве главной «звезды» эпохи – Питера Паувела Рубенса. Мастер впитал уроки нидерландского искусства с его приверженностью реальности и опыт итальянской живописи, сообщившей ему монументальное понимание формы и колористическую целостность. С равной степенью великолепия Рубенс проявил себя в религиозной и мифологической живописи, в организации публичных торжеств и в иллюстрировании книг.

А созданный им тип парадного портрета, в свою очередь основанный на достижениях нидерландских мастеров XVI века, был развит его учеником Антонисом ван Дейком. Чувственная телесность была присуща и образам современников Рубенса – Франсу Снейдерсу с его роскошными натюрмортами и Якобу Йордансу, чьи мифологические и бытовые сцены отличаются подлинно народным жизнелюбием.

Испанская школа, долгое время находившаяся под влиянием северных, а затем итальянских мастеров, в XVII столетии достигла наивысшего творческого подъема. В этот период ее реализм и точность в передаче пластических форм сочетались с глубокой одухотворенностью образов. Мужественность Хусепе Риберы, сдержанность Франсиско Сурбарана, лиризм Бартоломе Мурильо отражали самобытность и разнообразие художественной палитры испанского «золотого века».  

Зал 11: Рембрандт: до и после

Многолетняя война за независимость Cеверных Нидерландов от испанской монархии увенчалась созданием Республики Соединенных провинций – наиболее передового государства Европы XVII столетия. Голландские наука и культура пережили подлинный расцвет, который в области изобразительных искусств выразился в утверждении принципиально нового способа художественного ви́дения – центральный для европейского искусства принцип идеализации уступил место прямому изображению действительности. Идеальный воображаемый пейзаж сменился узнаваемым видом голландской природы и городов.

Особое место заняла жанровая живопись, изображающая современную ее авторам повседневность. Победившие в Северных Нидерландах протестантские течения отвергали церковное искусство, и религиозная живопись впервые в Европе лишилась главенствующего положения в системе жанров. Из литургического инструмента она превратилась в способ философского размышления о Боге и человеке. Именно такой она стала у величайшего голландского художника эпохи – Рембрандта Харменса ван Рейна. Собрание ГМИИ им. А.С.Пушкина предоставляет уникальную возможность проследить развитие его творчества: от «Изгнания торгующих из храма» (одной из наиболее ранних известных работ художника) до подлинного шедевра поздних лет – «Артаксеркс, Аман и Эсфирь».

«Реэкспозиция — особое событие для нас. Мы ежегодно проводим большое количество временных выставок, в 2022-м второй этаж главного здания будет занят двумя большими проектами, но для нас важно сохранить место и для наших собственных коллекций. Поэтому мы должны были переосмыслить пространство, чтобы у посетителей сохранилась возможность видеть важные вещи из нашего собрания. Первые перемены в музее уже произошли, и я уверена, что наш зритель сможет по достоинству оценить новый авторский взгляд на старое искусство, который мы предложили», - рассказывает Марина Лошак, директор ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Патрик Уркад, сценограф и куратор согласен с коллегой: «Я пытаюсь вернуть заслуженное внимание старым мастерам. Возродить логику, связывающую пространство и свет. Благодаря подчеркнутой простоте и ритмичности архитектуры, работы будут легко читаться, тем самым подчеркивая логику стоящей за ними архитектуры света. Я отметил, что в музее есть важные картины, мимо которых посетители проходили, даже не замечая их присутствия. Это случается потому, что работу разместили в зале без должного внимания.

Когда я разрабатывал сценографию, задумался о том, как заострить внимание зрителя: вот, посмотрите, здесь как хорошо, здесь есть что-то, вот на это стоит обратить внимание. То есть, зрителя надо вовлечь в игру. Так появилась система модулей, архитектурных единиц. В обновленной экспозиции сохраняется хронология и появляются эффекты. Чтобы посетитель не заскучал, надо поддерживать его присутствие духа. Так, в большом зале, посвященном итальянской школе, где висят Гварди и великие классики, я хочу сохранить пространство большой галереи, отличительной черты великой итальянской живописи».

«“Постоянная экспозиция“ — само определение кажется консервативным. Однако она — суть музея и должна оставаться живым организмом. Догма и традиция — разные понятия. Можно, сохраняя традиции, двигаться в ногу со временем. Как в XXI веке экспонировать старое искусство? Насколько современна старая живопись? Эти размышления о нашей коллекции оказались очень полезными. Мы сменили точку зрения на многое. 

Перед нами стояла сверхсложная задача — уплотнить постоянную экспозицию на первом этаже и при этом не сделать ее тесной. Пришлось сократить количество экспонатов. И это была самая трудная задача. Если в нашем собрании старой живописи хранится более 900 работ, в прежней экспозиции было представлено более 400, то сейчас зритель увидит около 300 произведений. Наша новая постоянная экспозиция подчеркивает самоценность каждого произведения, помогает зрителю сосредоточиться на каждой картине», - говорит Сурия Садекова, заведующая отделом образовательно-выставочных проектов, куратор реэкспозиции.